Teatro
Opinión teatro: «Todo tendría sentido si no existiera la muerte».
Hace mucho tiempo que no veía una obra de teatro con tanto trabajo en la creación de personajes. Mucho trabajo en ensayos para que después en escena resulte extraordinario. Después de ver esta pieza teatral, ¿cómo hago para seguir viendo obras en donde los actores no personifican a nadie y hacen de si mismos? ¿Cómo hago para seguir viendo teatro en donde no se trabajen los personajes de manera integra, detalle a detalle?
Para aquellos que nunca escribieron y quieren hacerlo, como también para aquellos que ya escriben y quieren mejorar en la ficción, les recomiendo ir a ver esta obra, para entender lo clave que es la creación de personajes.
También el aviso es para directores y actores, quienes también son responsables de la creación de un personaje.
¿Dura mucho la obra? quizás si, algunas personas se cansaran de ver tres horas y otras no. ¿El humor? para algunos quizás hay cosas fuera de lugar y hasta irrespetuosas y para otros (donde me incluyo) está perfecto.
Si entras en la sintonía del estilo de humor que maneja la obra, te reís mucho, como fue mi caso.
Con respecto a la duración, dos horas, un intervalo de diez minutos y una hora más hasta llegar al final, creo que es mucho, pero eso depende de cada espectador. La historia podría haber sido contado en dos horas, ¿pero quién soy yo para decirle a un autor que resuma lo que quiere contar? Nadie, si yo fuese autor de una obra y creyera que para contarla tiene que durar tres horas lo haría. Pero en este momento como espectador tengo que decir que aunque disfrute mucho la función, hubiese preferido que termine una hora antes.
La puesta en escena sigue la misma linea de la creación de los personajes. Todo esta pensado a detalle y cada uno de esos detalles hacen que la obra brille todavía más.
La dirección y las actuaciones también siguen la misma linea, porque todo funciona bien, es un gran trabajo, es una gran obra de teatro y gracias al talento del autor que también es el director, los actores se lucen extraordinariamente.
Es muy difícil que en una obra de teatro quieras mucho a los personajes, los hagas tuyos y te enamores como pasa en las series. Porque es una ficción que vez una vez y apenas en un rato dentro de tu día. En vez una serie la seguís, ves muchas temporadas, mientras la ves hablas con amigos sobre las cosas que suceden. En el teatro eso no pasa, cuando termina hablas a la salida con la persona con quien fuiste y ahí finaliza.
La creación de personajes de esta obra es tan potente que logra en una función de tres horas, lo que muchas producciones ni logran en series de muchísimas temporadas. Sentís que los personajes son parte de tu vida, te enamoras de ellos y de sus historias, los adoptas como propios y no querés que les pase nada.
Conseguir eso es maravilloso y por eso cuando termina la función la gente aplaude de pie, no es una obra mas. Es una obra para disfrutar pero sobre todo para aprender mucho.
Sinopsis:
A finales de los 80, en un pueblo del interior de Buenos Aires, una maestra de escuela se entera de que tiene una enfermedad terminal. Como última voluntad decide filmar una película pornográfica.
¿Qué es una vida? La amistad, el amor, el deseo, los sueños, el cuerpo de la mujer como campo de batalla, una novela de iniciación, una despedida: Todo tendría sentido si no existiera la muerte es una obra de teatro épica y a la vez íntima.
Todo tendría sentido si no existiera la muerte, obra ganadora del IX Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia, es una coproducción de Compañía Teatro Futuro y el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), el Festival de Artes Escénicas de Uruguay (FIDAE), el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (UBA), el Centro Cultural San Martín y la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.
La obra recibió dos premios Trinidad Guevara por mejor actor y mejor actriz de reparto y fue nominada como mejor autor; fue destacada en los Premios Teatro XXI como mejor obra, mejos actriz protagónica y mejor director y nominada a los ACE como mejor autor nacional y mejor actriz protagónica.
Con: Lorena Vega, Maruja Bustamante, Andrea Nussembaum, Juana Rozas, Bruno Giganti y Agustín Rittano
Escenografía: Oria Puppo
Vestuario: Cecilia Bello Godoy y Johanna Bresque
Iluminación: Matías Sendón
Coreografía: Jazmín Titiunik
Musicalización: Mariano Tenconi Blanco
Música original compuesta por Ian Shifres
Fotografía: Sebastián Freire, Xavier Martin y Ariel Feldman
Diseño gráfico: Gabriel Jofré
Asistencia de producción: Eugenia Tobal
Producción general: Carolina Castro
Asistencia de dirección: Maxi Muti y Ana Schimelman
Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco
¿Qué pasa cuando la perfección que vendés en las redes choca de frente con la realidad? «Método Thompson», la aclamada comedia dirigida por Sergio Lombardo que nació en las aulas de la UADE, se presenta todos los sábados de junio a las 21:00 horas en el Teatro Regina (Av. Santa Fé 1235, CABA). Con un elenco coral brillante y entradas a la venta por Entrada Uno, la obra promete risas, enredos y una profunda reflexión sobre las apariencias, las exigencias sociales y lo que realmente significa ser madre hoy.
Una trama de apariencias, mentiras y enredos familiares
La obra nos introduce en la vida de Cecilia, una mujer acorralada por las circunstancias que se ve forzada a formar parte del célebre «Método Thompson». ¿El detalle? Este sistema fue diseñado nada menos que por su propia madre, una eminencia y referente absoluta en el universo de la crianza y la maternidad.
Buscando reconstruir un vínculo filial que pende de un hilo y atravesada por viejos conflictos, Cecilia toma una determinación extrema. Esta elección desatará un efecto dominó implacable, lleno de equívocos, que hará tambalear ese ecosistema perfecto y de cristal edificado sobre las puras apariencias.
Entre futuras mamás, abuelas intensas y mentiras piadosas (y no tanto), la pieza desmenuza con muchísima ironía y una enorme sensibilidad las presiones actuales que recaen sobre las mujeres.
«Una propuesta ágil y contemporánea, donde el humor convive con momentos de mayor profundidad emocional».
Talento joven y creación colectiva en el corazón de la avenida Santa Fe
Uno de los puntos más altos de «Método Thompson» es su origen y su ADN grupal. Gestada originalmente dentro de la Licenciatura en Artes Escénicas de la UADE, la obra cuenta con una dramaturgia colectiva y un despliegue escénico coral que potencia el relato a través de múltiples perspectivas.
La mano experta del director Sergio Lombardo logra amalgamar el ritmo vertiginoso de la comedia con instantes de sincera emoción. A esto se le suma un lenguaje hiperactual que conecta directo con el público joven y las distintas generaciones que se acercan a la sala.
El apartado técnico termina de consolidar un show redondo y sumamente profesional que dialoga de frente con el presente:
- Música y ritmo: Cuenta con banda sonora original y dirección musical de Pablo Flores Torres.
- Movimiento en escena: Las coreografías están a cargo de Joaquín Longhi.
- Estética cuidada: Un equipo creativo que destaca en diseño escenográfico, vestuario y producción integral.
Ficha técnica
- Autoría: Camila Kordylas, Camila Schere, Camila Sosa, Candela Aprile, Delfina Schirripa, Juana Fagan, Karen Matute, Lucía Torres, Martina Rodríguez, Rocío Díaz Budani, Sol Galassi, Sol Leone Martens y Úrsula Tunes.
- Dirección: Sergio Lombardo.
- Elenco: Camila Andrea Sosa, Camila Kordylas, Camila Schere, Candela Aprile, Delfina Schirripa, Jazmín Fernández, Juana Fagan, Karen Gabriela Matute Tortolero, Lucía Torres, Martina Rodríguez Secin, Sol Leone Martens, Úrsula Abril Tunes, Zoe Cano.
- Música & Música Incidental: Pablo Flores Torres (Música también por Camila Kordylas).
- Dirección Musical: Pablo Flores Torres.
- Coach Vocal: Valentina Scarabino.
- Coreografía: Joaquín Longhi (Asistencia: Bianca Mazzola).
- Asistencia de Dirección: Candela Rives.
- Diseño de Escenografía: Camila Kordylas, María Martínez y Juana Fagan.
- Diseño de Vestuario, Maquillaje y Peinado: Laura Stoffani.
- Supervisión Dramatúrgica: Diego Ramos, Pablo Flores Torres, Bárbara Ostrovsky y Juan Francisco Dasso.
- Producción General: Luján Pedriel y Nicolás Cavallero.
- Producción Ejecutiva: Juan Pedro Bereciartua.
La cartelera porteña se prepara para vivir una de sus noches más gloriosas. Con el objetivo de jerarquizar y dar visibilidad a la industria del entretenimiento, AADET (Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales) presentó formalmente los Premios PINTI. Esta nueva distinción anual buscará aplaudir la excelencia artística, técnica y de producción de la escena comercial de nuestro país, estableciendo un nuevo puente directo con los espectadores.
La esperada cita inaugural tendrá un marco imponente: el Teatro Colón, el próximo lunes 27 de julio, y las alternativas de la alfombra roja y la premiación se podrán seguir en vivo y en directo por eltrece.
Un tributo al Rey del Café Concert
El nombre elegido para las estatuillas es un acto de justicia poética y cultural. Enrique Pinti, pilar indiscutido del humor, la dramaturgia y la actuación argentina, es el faro que inspira este galardón. Su legado combina el pensamiento crítico, la creatividad y una pasión visceral por las tablas, valores que la asociación busca perpetuar con este homenaje.
Al respecto de este hito institucional, Sebastián Blutrach, presidente de AADET, remarcó:
“Con estos premios queremos consolidar un reconocimiento de referencia para nuestro teatro, que exprese la calidad artística y el talentoso trabajo de productores, elencos y equipos técnicos. Es una invitación a poner en valor la escena teatral argentina”.
Por su parte, el reconocido productor Pablo Kompel sumó su mirada sobre el impacto a largo plazo de la iniciativa:
“El teatro argentino tiene una historia centenaria que sigue siendo motor de la cultura nacional. Estos premios son una forma de celebrarlo y seguir acercando el teatro a nuevas audiencias. Apuntamos a que esta distinción llegue para quedarse en el calendario teatral argentino como una referencia anual de nuestra actividad”.
Elegibilidad y las 22 categorías en juego
Para esta edición debut, se considerarán todos aquellos espectáculos producidos o coproducidos por miembros de AADET que hayan realizado funciones en la Ciudad de Buenos Aires entre agosto de 2025 y julio de 2026.
A continuación, la lista completa de los rubros que serán premiados:
- Comedia
- Drama o Comedia Dramática
- Musical
- Unipersonal, espectáculo de humor, stand up o formato alternativo
- Obra de Autoría Nacional
- Actor de Comedia
- Actriz de Comedia
- Actor de Drama o Comedia dramática
- Actriz de Drama o Comedia dramática
- Actor en Musical
- Actriz en Musical
- Actor de reparto
- Actriz de reparto
- Dirección
- Coreografía
- Diseño de Escenografía y/o Audiovisual
- Vestuario, Caracterización y/o Maquillaje
- Iluminación, Sonido y/o Música Original
- Producción
- Premio a la Trayectoria (Elección institucional de AADET)
- Espectáculo del Año (Elección institucional de AADET)
- Favorito del Público (Votación del público a través de una plataforma abierta)
Un jurado plural y de notable trayectoria
Para garantizar transparencia, rigor y diversidad de criterios, las nominaciones y elecciones estarán a cargo de un cuerpo independiente de 25 personalidades del periodismo, la crítica, la literatura y la gestión cultural.
Los encargados de definir a los primeros ganadores de la historia de los Premios PINTI son:
Carlos Ulanovsky · Claudia Piñeiro · Cynthia Edul · Enrique Avogadro · Federico Irazábal · Fernando Bravo · Gabriela Radice · Hugo Paredero · Jorge Dubatti · Lucía Chiola Iannone · Marcela Coronel · Marcela Godoy · Marcelo Allasino · Marcelo Stiletano · Mercedes Méndez · Mey Scapola · Natalia Laube · Pablo Scholz · Pablo Sirvén · Pamela López · Paula Sabatés · Sandra Commisso · Silvina Lamazares · Tatiana Schapiro · Teresa Donato.
Detrás de cada telón que se levanta convive una inmensa comunidad de trabajadores. Los Premios PINTI llegan para encender las luces sobre todos ellos, celebrando el fenómeno único e indestructible del teatro comercial argentino.
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Un contador obsesionado con medir el amor y un viaje alucinante hacia el inconsciente. Los domingos a las 20:00 hs, el Teatro Belisario abre sus puertas a «Querencio», una deslumbrante fábula poética escrita y dirigida por Alejandro Sly. Protagonizada por Matt Sunday, Lucía Barrionuevo y Elsa Juri, la obra fusiona el humor absurdo, el diseño sonoro en vivo y el surrealismo para rescatar el espíritu de la infancia en un mundo dominado por la productividad. ¡Una joya del circuito alternativo porteño que tenés que agendar!
¿De qué trata «Querencio»? Sinopsis de una obra necesaria
La cartelera porteña se renueva con una propuesta que escapa a los moldes tradicionales. «Querencio», la nueva creación de Alejandro Sly, nos introduce en la mente de un estructurado contador público. Este hombre ha cometido el error de intentar cuantificar lo imposible: el amor. Absorbido por los balances, los números y las obligaciones de la vida adulta, su sensibilidad parece haber quedado sepultada bajo una montaña de frialdad lógica.
Sin embargo, el teatro es el terreno de lo posible. En lo más profundo de su inconsciente, una Fabricante de Sueños junto a su nieta iniciarán una aventura fantástica para rescatar ese niño interior que se resiste a desaparecer. A partir de allí, el espectador se sumerge en un viaje onírico y desopilante repleto de:
- Ábacos que cobran vida propia.
- Avispas parlantes y fantasmas delirantes.
- Criaturas imposibles que desafían la razón.
El corazón de la historia nos plantea un interrogante clave para los tiempos actuales: en una sociedad hiperproductiva, ¿podemos recuperar la poesía de la niñez antes de que la rutina la apague por completo?
"Una reflexión profunda y desopilante sobre la tensión entre la creación y la obligación."
El elenco y el despliegue técnico detrás de la magia
El engranaje actoral es uno de los puntos más fuertes de la puesta. Las actuaciones de Matt Sunday, Lucía Barrionuevo y Elsa Juri logran el equilibrio perfecto entre el humor, la fantasía y la emoción pura, garantizando una experiencia teatral que divierte pero también conmueve.
En el apartado técnico, la obra destaca por su identidad sensorial y estética. Cuenta con música original y un cuidado diseño sonoro a cargo de Francisco Mauas, potenciado por las llamativas caracterizaciones y el vestuario de Jotuiti Tebao Factor. La puesta en escena integral —que incluye la escenografía y el diseño de luces— lleva el sello totalizador del propio Alejandro Sly.
Ficha técnica y funciones de «Querencio» en Buenos Aires
Si estás buscando una salida cultural diferente en la Ciudad de Buenos Aires, te dejamos toda la información para que saques tus entradas:
- ¿Cuándo? Todos los domingos a las 20:00 horas.
- ¿Dónde? Teatro Belisario Club de Cultura (Av. Corrientes 1642, CABA).
- Entradas: Disponibles en la plataforma web de Alternativa Teatral.
